以現場性構連參與者與數位物件的《密室尋聲》

圖版提供｜臺中國家歌劇院     攝影｜拉風影像

作為一個實驗性的創作，《密室尋聲》由動見体音樂總監林桂如與噪咖事務所藝術總監王仲堃共同合作，在臺中國家歌劇院的凸凸廳的暗室裝置中，以「現場性」（liveness）邀請觀眾從靜態的觀看，轉變為動態的參與，隨著表演者的身體律動與表演路徑，展開一場「空間」與「聲音」的踏尋記。

不言而喻，數位的構成與互動環境的設計巧思，意味著與傳統的舞台表演之間的決裂。在數位表演的作品裡，創作的焦慮不再與表演的暫時性相關，亦不再與如何重複或重製有關；新的表演場域設計模式、即時性與跨時空的表演元素逐步地構成了一種開放性的、互動性的體系，數位現場性（digital liveness）的產生正是自我與他者之間一種獨特的關係，是一種「與某個事物共同衍生」（being involved with something）特殊方法，其在各種主題—空間、投影、聲音、身體、機械與互動的融匯辯證之下，追尋媒體與表演之間的關係，凸顯科技發展脈絡底下表演形式的演化與數位表演的獨特美學。

面對臺中國家歌劇院凸凸廳中凹凸不平的空間，如何讓聲、光、影、肢體相互融匯是《密室尋聲》實驗創作的艱困任務。然而，此作卻讓空間奇異性巧妙地呼應聲音的抽象性，以及舞者肢體的律動性；以致，在踏尋聲音的空間中，參與者行徑的軌跡像似聲音的不規則特性，而雷射光在空間的掃描，更在奇異的空間中，伴隨著聲音的方向性，創造出影像新奇的抽象造型。表演者在空間中毫無預警的出現，手持紫光手電筒剎那間吸引住觀眾的目光；當無調性的聲響緩緩出現，其以非語言訊息式的身體律動引領著觀眾的參與。《密室尋聲》正是如此讓參與者身處於聲響懸疑且散漫流動的空間裡，進行一場以掃射的光創造流動的影、借明亮的光啟動隱藏的聲音，讓觀眾參與於表演者追逐的光影遊戲之中。

圖版提供｜臺中國家歌劇院     攝影｜拉風影像

此外，數位科技提供舞台上主體身體得以不同的面向進行演出，為表演者創造出一種「非地方」（non-places）的特質，以隨時轉變場景。在此之中，參與者見證了猶如實驗室般的表演實驗，體驗敘事性的解構與重構，也見證了科技與表演身體的轉變。在《密室尋聲》中，光照射著地面的綠點與線條，猶如黃昏之光照映在牆面上，迫使地面上的符號逐漸現形。更甚之，參與者的手與感應裝置的互動也驅動光與聲音的變化。在此散漫滿佈的非地方性舞台中，光束從四方射出，表演者按圖索驥式的進行聲音的踏尋，時而改變方向、引導參與者的追逐。而表演者身上的感應裝置，因光的照射出現聲響，與肢體動作相呼應，促使聲音的層次從點到線、從線延伸至面，在場域之中散漫流動的聲響，隨著光與表演者手持裝置而變化，殘響因空間而變得詭異。 

有趣的是，《密室尋聲》中的科技裝置創造出「主體科技」（subject technology）的多元面向。「尋聲手環」與「光音別針」等裝置上的感應器驅動著空間的聲音，時而抽象，時而彷彿蟲鳴鳥叫，使隱蔽的聲響因科技裝置而現形。易言之，在科技轉變成主體科技之前，被視為是用來實驗的、探試的、甚至拒絕的客體；然而，科技從作為一種客體（物件）出現在表演場域當中，逐漸轉化其以裝置形式為主體形式，與表演者的身體並置體現，其主體化的過程讓聲音感應裝置更成為表演場域中重要的顯性主體。

圖版提供｜臺中國家歌劇院     攝影｜拉風影像

《密室尋聲》試圖將表演場域（凸凸廳）視為聲音共鳴體的實驗性充分展現出作品中「主體科技」的存有性，該主體透過獲得能動性（agency），或在舞台上有其存在感的科技，使其成為「業已是主體」（always-already subject）而被納編為數位表演中不可或缺的內涵。除了表演場域地面上特殊的符號與線條外，《密室尋聲》的場域中沒有特別的舞台設計，觀眾走入這個凹凸不同的空間，舞台是移動的，聲音、光、影充斥在空間之中，符號、光造型、燈光與聲音的互動，讓人們的參與成為一種「集體」（the collective）—— 集合了人與數位物件之間關係的多元可能性。在這個作品裡，聲音、聲音裝置、光線作為舞台上的主體，其存在透過與參與者間的互動關係而得以顯現。