第十三屆台新藝術獎：初選入圍名單揭曉!

入圍作品／入圍者

入圍理由

WAVE‧微幅／一當代舞團

神話是舞蹈常見的題材，科技是表演持續的追尋，儘管如此，像《WAVE‧微幅》這樣，從神話的思維表現科技的舞蹈作品卻是少有。於是我們看到，懸空變換的燈光矩陣，近乎神話世界的神秘秩序；下壓的光牆，具現了神話的暴力；而蘇文琪像昆蟲和野獸一樣強悍的身體，傳達了人類和科技之間的搏鬥。難得的是，蘇文琪並沒有落入人工科技和自然肉體的、傳統的二元論，例如當光束越來越閃爍、聲響越來越暴烈，令人預感科技即將帶來毀滅之際，舞者並不是表現肉身的回歸，那是一種混雜著機械動力和儀式舞蹈的身體，又像戰爭機器，又像巫師又像神。印度的濕婆是舞蹈之神，也是毀滅之神，蘇文琪很像濕婆，表現出科技時代的我們如何與毀滅共舞。

(主筆：郭亮廷)

聊齋，聊甚麼哉？！／山宛然劇團 弘宛然劇團 導演王嘉明

四折古典《聊齋》傳統布袋戲，鑲嵌入一則現代「洗衣店有鬼」演出場景裡，人、鬼、衣、偶，交相隱喻，實幻穿越，既是人操演偶，又是人（導演）操演人，大敘事框架裡置入小敘事，大視覺景框內伸縮變出小舞台，加上「318學運」同步發生著卻被場上演員以遙視（影像）、倒述口氣說出，時間、空間、敘事均幻覺化，暗喻了政治幻象及歷史幽靈化，魅影敘事從一而終。此外，導演透過幻覺手法調動景框變化，讓觀眾自動伸縮觀視，不僅更加凝練掌中技藝之美，更解決掌中戲進入現代劇場的觀賞距離難題，於作品及劇種美學意義上備極難能可貴。

(主筆：紀慧玲)

造音翻土：戰後台灣聲響文化的探索／立方計畫空間

展覽並不在標榜史料文件的新發現，或是既定藝術類型的歷史性整理；《造音翻土》透過對聲響文化生產實踐的重新檢視、辯證，將幾組與本土、常民概念相關的命題再次拋回特定時空下的意識形態、社會關係，使這個以系譜學的方式翻攪主題的展覽，不在停留於特定聲響美學的歌頌，而是實踐者如何以其異質聲響，抵抗、發聲、進而造音的辯證歷程。《造音翻土》在一個以視覺為導向的美術館中，將聲響文化以文件與檔案的形式展出，策展的架構提供展品雙重性的閱讀（聆聽）：感知對象與概念意識。展覽具體發揮策展即態度、美術館即公共論壇的精神。

(主筆：郭昭蘭) 

華格納革命指環—諸神黃昏／再一次拒絕長大劇團

此項演出因時制宜的將國內社會運動的抗爭置入於《諸神黃昏》之中，並且因地制宜的將「華山四連棟」內、外，幻化成原作的場域，讓華格納的末世預言活生生的在台北市中心被呈現出來。此「新音樂劇場」或「聲音劇場」藉著自由無羈而有效率的編劇，獨特的視覺設計，以及巧妙的交錯、融混樂音與噪音，共同經營出天馬行空、雄渾壯濶，且具有層次變化的戲劇效果，不只成功的演繹、解構原作，還充份發揚了「整體藝術」的理念。(主筆：陳漢金)

2014新點子劇展《戀曲2010》／李銘宸

「當我們在KTV唱歌的時候，我們不能説唱歌的不是我，歌聲中没有絲毫我的感情」。像這樣唱別人的歌、說別人的話，是日常經驗中「失語」、「無寫自己的歌可唱」的情境，這種概念可說是夠通俗也夠普遍。《戀曲2010》好似把這種尋常経験放大成舞台上演員的時間感與身體感、同時也把聲音變成形式。在沒有敘述軸線與對白關係的支配下，整齣戲演員拋開特定角色的負累，使無名的人物以唱別人的歌、輪播各種公式話語、廣告、話術的聲音，讓觀眾重新回到一種「聽」戲的經驗：「以聆聽帶動情節」，而不是「為劇情服務的歌曲」。演員的身體在這裡是各種話術、歌曲的輪播載體，無論是說著與唱著都離不開作為聲音、樂音、與話語系統編碼化的身體。《戀曲2010》同時把劇場中的捆綁著演員的口白與敘述性，拋到一邊，把說話、唱歌這些與主體表達有關的表意技術，變成作品本身的主題。說到底，《戀曲2010》反思的是，沒有「戀曲」、沒有主體、只剩下歌曲與話術的情況下，如何述說？

(主筆：郭昭蘭) 

2014臺北藝穗節《擺爛》／李銘宸

《擺爛》聰明地將具有強烈當代感性的流行術語，轉換成狹長空間中正在生成、正在腐壞的時間與時間中正在生成、正在腐壞的身體，不僅成功解構了傳統劇場或舞蹈訓練對身體的制式規範，也成功解構了劇場中身體作為敘事與表意載體的限制，而得以讓身體徹底扭曲癲狂，以獨舞、群舞的交錯，展開集體歇斯底里的能量流竄，讓一切都只是動作、變化與速度，都只是身體的強度與能動。《擺爛》是一齣感官放大版的舞蹈劇場，讓人因其身動力而被如此強烈震撼。

(主筆：張小虹)

林其蔚個展《磁帶音樂》／林其蔚

林其蔚的《磁帶音樂》系列歷經九年的實行，在世界各地演出，僅是透過單音節或相近的語音，在眾人的依序念誦之下形成語聲的合聲，召喚著一種屬於人身在世的共同體，在數位媒體化的科技世界裏尤顯別具意涵。在伊通公園的個展，林其蔚以文件、道具、草圖與錄像裝置等元素，清楚地表述這個長期計畫的美學內涵；一方面，背反了台灣自90年代以來聲音創作的科技媒體化，另一方面，身體被視為聲響的必然載具，其聲音儀式之質樸，像是能匯通人與自然，並尋回人際的始初連結，指向一個沒有被科技符號異化的國度。

(主筆：陳泰松)

長河—身體是最長的一天／林文中舞團

若說舞蹈是結合時間、空間和身體的一門藝術，則《長河—身體最長的一天》絕對是一支上乘的舞蹈作品。林文中對於舞者身體的部署、動力的運籌，以及透過舞者身體所描繪出的空間時間線條和構體，充分展現出他作為一名編舞者的大器與才情。舞者們各具優異的身體能力，充分揮灑，他們身體的韌度、延展性與勁力極大化了舞作的感官幅度。結構與意境互相烘托，堪稱2014年最令人屏息的舞蹈作品之一。

(主筆：趙綺芳)

看得見的城市，看不見的人／周先生與舞者們

《看得見的城市，看不見的人》透過綜整錄像、舞蹈、劇場舞台等藝術形式於一跨領域舞蹈作品中，以整齊劃一的舞台設計、重複性的肢體動作、陌生的城市影像、冷冽尖銳的機器聲響，表意當代社會中人們無奈與受壓迫的生活景況。作品創造出以抽象的城市與空無的社會作為背景，透過反覆且無感的身體，批判當代社會僵化的科層組織與結構；與此同時，探詢藝術創作、人類生存與社會時代三者間的斷裂與無奈。更顯著的是，舞者肢體動作的「空」與「重複性」深刻地表意了當代社會人民百般無奈、抑鬱的社會氛圍、沒有出口與沈重的生命姿態。

(主筆：邱誌勇)

紅毛港遷村實錄–家／陳伯義

陳伯義外號「BB」，意思是他常常像警察一樣發出警告訊息，這種天生keep alert的性格，使他對環境非常敏感，各種風吹草動，立刻會引起他的注意，像「紅毛港」遷村這種重大事件，陳伯義一定趕到現場，拿起他的相機，用他精練的攝影手法，即時即地的拍攝現場各種有的沒有的。因為自我藝術文青的嚴格訓練，陳伯義善於「光」的操作，有「光」才有生命，陳伯義的作品非常光明清朗，非常振奮人心，也非常細膩敘述，這種對於「光」的嚮往追求，是陳伯義作品的深層內裡，也是貫串創作的最核心主旨，以「光」闡述，以「光」辯證世界，到哪裡都有「光」，當然也包括「紅毛港」。

(主筆：李俊賢)

不舒適的明日／袁廣鳴

《不舒適的明日》一展不僅延續袁廣鳴一貫獨特的創作風格與影像美學，在主題上更強化了探究人們日常生活狀態與生活處境的批判性思考，以錄像、動力裝置與攝影等新媒體跨領域的創作形式，透過風格化的視覺語藝及慢動作的影像詩學，將當代關於生存與居住的崩壞、核能災變的寓意、學生運動的指控等議題崇高化。作品以藝術介入並貼近近年來思變的台灣社會脈動，極具時代性格，且能激發觀者更深刻且更為廣泛的人文社會思考，亦呼應了社會公平正義的話語。

(主筆：邱誌勇)

華格納革命指環—女武神／黑眼睛跨劇團

海納‧穆勒（Heiner Müller）認為，改編是還原經典的政治性，是經典的再政治化，按照這個標準，鴻鴻成功的將華格納的女神叛變，連結上台灣現今的緊急狀態。難得的是，這次的政治改編不落政治正確的俗套，戲裡的角色並不是宣揚政治理念，而是尋找反抗的可能，學習行動。這是真正的教育劇場，不是教育觀眾，而是和觀眾共同學習。也因此，對照當今的社會運動，這齣戲既不會淪為政治工具，因為學習就是對既定的想法提出質疑，就像劇中一再的質疑法的效力；更不至於消費議題，因為議題都有其時效性，學習卻是為了面向未來，想像新的世界。誠如劇末召喚一場不再崇拜英雄、不再依賴強人的革命。

(主筆：郭亮廷)

qai～i愛遺憶／蒂摩爾古薪舞集

將原住民樂舞的深沈底藴掏掘、淘洗、精煉，然後搓揉進一個充滿掙扎的關係主題，於是我們看到了蒂摩爾古薪、甚至是原住民劇場近年來最扣人心弦的一支作品。儘管舞作格局不大，聲音卻絕非微小。舞者身體聲音表現既質樸又具張力，化解了專業劇場表演者的過於世故、和原住民素人表演者身上隱藏不住的生澀之間的落差，我們終於可以放心期待傳統原住民樂舞在專業劇場的綻放，並為之喝彩。

(主筆：趙綺芳)

玄奘／蔡明亮

固然是蔡明亮的劇作，但穿越了行動與裝置藝術、繪畫與電影，也是先前影片《行走》與劇場《只有你》之後的綜合體，《玄奘》走出了類型限制與文化圈限，也讓人見到了李康生與高俊宏的卓越演出，都是值得喝采的。它體現了蔡明亮關注的個體慾望的政治性，影像豐富寓意，肢體動作在自然狀態與設計中達到渾然天成的結合，游刃於自我心境、古代敘事的想像與當代人的精神焦灼而有餘，在當代台灣電影導演中，無疑是藝術視野最全面、深具跨域能力的創作者。

(主筆：陳泰松)