在數據和光影的邊界上──第四屆臺灣國際光影藝術節「數據光景」

尤里・勒赫（Iury LECH）與吳秉聖作品〈光的時間量子〉        照片來源｜國立臺灣美術館臉書專頁

1. 前言

2023年光影藝術節來到第四屆，繼續在台中國立臺灣美術館舉辦。展名「數據光景」首先標示出跟前幾屆的差異：雖然也以數位科技呈現光影效果，這回卻聚焦在「數據」──特別是人與物、物與物連結所留下的軌跡。

展品主題的分類可從許多切面著手。除了官方說法「數據運算介入」、「感官資訊轉換」和「5G 即時交流」之外，對多數觀眾而言，最直觀的或許是「單位數量」、「量體」和「互動和觀賞」等差別。

下文首先回顧〈樹的噪訊〉、〈植光‧花〉、〈耳語〉和〈青台〉，它們以叢集（單位數量多）和動態雕塑的形式呈現，主打數據轉化為硬體的可能性，作品更具獨立性，適合從旁觀賞，體察意義；其次是〈非歐基里德延伸公設〉、〈反射研究〉、〈碎形〉和〈福朗提爾壹號〉，它們的量體有一定規模，要求觀眾參與、體驗、轉換思考，互動程度不一。小結處再提及現場演出「光的時間量子」。

2. 數據傳輸下的叢集與雕塑

張欣語〈樹的噪訊〉和蔡宜婷〈植光‧花〉都是中型裝置，呈現叢集內部單位之間的互動。張欣語擷取樹的震盪微音，在「透明蕈菇」的造型中轉化為聲與光，同時以紅色訊號燈的傳遞方向暗示能量的流動。蔡宜婷的仿生植物以一定的株數為區塊，彼此呼應亮度，垂動搖曳；觀眾穿過臨時的小徑，即可身處不一樣的「花海」。兩件作品的對象都是植物，取材方式卻「一實一擬」，雖未講求人與物的互動，卻讓我們在靜觀之下賞析數位物與自然物的連結。並置於廣場入口處兩側，頗能遙相呼應。

蔡寧〈耳語〉同樣是複數的中型裝置，意義卻不是構築在物與物之間的連通網絡，而是物對人的象徵性壓迫：眾多小螢幕形成包覆曲面，其中大量似同非同的人臉由人工智慧生成，從各個角度瞪視入內的觀者，多聲道喇叭發出（筆者聽來似乎是）「你是否還在加班？」的氣音，不乏對當前社會的批判。這些音像儘管偵測觀眾位置而來，效果卻不甚明顯；就互動性而言，也屬觀眾單向輸入（挪動身體步伐），裝置回饋輸出（即「耳語」）的線性推進。

404 N.F的〈青台〉由金屬棚架搭起，材質軟硬皆有，尼龍布及其內部氣球膨脹收縮產生的音效配上周圍燈光，使作品性質雖屬雕塑，卻產生一定程度的聲光效果。作品朝下（觀眾由此通過，抬頭欣賞）的造型，令人想到巨型而不規則的蓮蓬。跟〈樹的噪訊〉類似，此作也強調硬體背後的數據傳輸──〈青台〉擷取的是台中交通數據──但在不明白其背後機制的情況下，與筆者同一現場的其他觀者都以為作品可供互動，因此試圖揮手、挪步，嘗試讓作品感測並產生動態。

3. 光影互動下的理性與感性

如果〈青台〉不是互動作品，卻激起觀眾互動的慾望，王連晟的〈非歐幾何延伸公設〉明明是互動作品，卻不太能讓人意識到互動的成果。這件作品由七根超長LED燈管構成，就其龐大程度及場館立面的貼合程度而言，如其名稱半開玩笑所暗示的，跟「公共設施」差不多了！觀眾接近會觸發它們依序亮起和閃爍，但當多人一齊這麼做時，個別觀眾其實摸不透自己提供了什麼樣的輸入刺激。

雖然如此，這件簡約之作仍有三個巧妙之處：第一，於最側處觀看，七根燈管合成一支，產生「│」字效果；第二，七根燈管都是直的，依序交叉疊合起來，最外邊卻狀成弧形，看似彎的；第三，可能也是藝術家以「非歐幾何」命名的緣故──細看七根燈管相互交疊的那一面，在與之保持距離的情況下，我們會產生焦點透視的錯覺，離草坪最遠的邊（前述的弧形）看似「遠方地平線」，近草坪與場館立面呈直角的地方看似「觀者腳邊」。如此一來，雖然燈管在「感性」上交疊，「理性」上卻應該平行，而平行線理論的問題（平面上是否有兩條線無限延伸且不交疊）恰恰是非歐幾何跟歐氏幾何分歧的關鍵。王連晟為作品名稱加上「延伸」二字，避免陷入真正數學理論的泥淖，但又確實觸碰到平行線問題，可說非常聰明。這番苦心孤詣如果有更多輔助機制或設計（這需要足夠預算來支持），定能讓更多觀眾輕易理解。

儘管也是大型作品，查克．利伯曼（Zachary Lieberman）提供的互動作品〈反射研究〉，卻直覺許多，觀眾可輕易領略其中趣味，理性上的機制完全被藝術家深埋，鎖入木盒構成的操作平台上。在堪比場館建物的巨大布幕上，我們直接看到自己動手排列的字樣與符號；切換按鈕後，還能欣賞藝術家半預設半參雜現場干擾所構成的背景（現場反射與折射的光被視覺化為大量線條，進而組成若干可供選擇的模組），充滿動態。

笠原俊一（KASAHARA Shunichi）、神田竜（Kezzardrix）、比嘉了（HIGA Satoru）作品〈碎形〉        圖片來源｜國立臺灣美術館臉書粉專

包括筆者在內，周遭友人一致好評的是笠原俊一、神田竜、比嘉了的〈碎形〉。觀眾體驗這件作品的方式是這樣的：在八台投影機前或站或走，欣賞自身影子和藝術家投影所共構的畫面──奇妙的是，影子投射至屏幕時，有一部分被其他投影機的畫面覆蓋或裁切掉，因此看似不完全，甚至變成不同的形狀。這些形狀跟留存於屏幕的預設畫面嵌合，包括萬花筒般的三角和黑白相間的橫紋，搭配時而優雅的旋律、時而凜冽的電子節拍，形構出一套人們在生活和工作中一邊漫步一邊自我凝視的城市敘事。

我本以為上述效果出自觀眾位移時，身體被特定感測機制捕捉為第二層影像，進而覆蓋於第一層影像上的技術過程。查證之下，才發現新的投影技術已能將人像夾在影像分層中，因此一切均靠投影設定（四台為一個模組）和觀眾身影的偏差角度來完成，沒有額外的捕捉機制。以上過程不只互動，成果更是即時的；重要的是，光憑感官即可發現特殊之處。

貳進的〈福朗提爾壹號〉包含兩部分：第一，由上至下的投影，畫面內容為浮空轉動的太空艙內裏；第二，供觀眾上傳訊息的QR Code和APP，輸入後的訊息會即時出現在太空艙內。在現場，我們可以「行走於太空艙內」（顯現太空艙影像的走廊地面），沉浸其中。

雖然投影畫面盡可能鋪滿整個地面，太空艙畫面也保持動態，但一方面觀眾的影子並沒有被處理，二方面投影效果明顯倚賴特定視角，太空艙又有特定轉速，故虛（畫面）實（人）的整合或接軌不易，除非觀眾踩著特定步伐前進，朝著特定方向邁步。整體而言，訊息在畫面上出現和運動的狀態都相當流暢，但沉浸感不足，較為可惜。

4. 小結：邁向未來與國際，正視此刻與在地

英國蛇形藝廊這兩年出版的《未來藝術生態系》（目前共三冊），不斷強調「藝術使用者體驗」（User Experience of Art，UXA），直言「標榜作品獨特、稀罕、已完成」的「白盒子模式」應該被打開，而所謂的「前瞻科藝」（art and advanced technology，A&AT）──本次展覽的作品和技術與此契合──必須跨域進行，跟多項專業彙整，最終將自己工具化、環境化，供觀眾體驗，甚至是創造或生產。 

至少就筆者而言，笠原俊一、神田竜、比嘉了和利伯曼的作品做到了上述這點，娛樂性和藝術性兼具。當然，要求我們旁觀和深究作品寓意的藝術創作仍有其價值，重點始終是能否讓觀眾憑藉淺層的感官，認識或探索深層的本質或機制：感受不夠趣味、直覺，還需艱深的解釋才能讓人明白其意（過分強調本質或機制面，不顧使用者體驗）；又或相反，儘管體驗趣味且直覺，卻無法讓觀眾掌握機制或激起其深究的想望（過分強調感官，失卻意義），總是偏失一方。

台灣藝術家在這次展覽中仍然優秀，不只王連晟四兩撥千斤地呈現幾何趣味，其他年輕創作者也盡可能在既有作品上改版（404N.F此作之前有不同版本）或異地發揮（蔡宜婷此作已經展過），賦予作品多變面貌；前文刻意省略的「光的時間量子」，就凸顯台灣藝術家在音像演出上更勝國際藝術家一籌的事實。

同屬本屆光影藝術節的一環，這場由吳秉聖和尤里・勒赫（Iury Lech）異地即時共演的作品發生在U-108空間，觀眾沿著環型劇場坐下，親歷了沉浸式的影音震撼。在不依賴觀眾施作的情況下，純靠影音迫近感官、打動人心不如互動作品容易。在這場演出中，吳秉聖的音像呈現以豐富優雅的幾何線條和動態奪人耳目，要瘋狂有瘋狂，要細膩有細膩，素材充足不重複，排列有序而包容隨機。網路訊號的順暢無法完全取代藝術家的在場操作，除非不在場的藝術家能夠整合出更具說服力的音像元素。

「數據光景」由葉廷皓和邱誌勇策畫，呈現了數據和光影的對話，展演作品既差異又互補，觀眾也能用靈活的視角切入理解。整體而言，藝術節大器不失細節，看點多元，跟過去相比，向前邁出了一大步。然而，在向國外藝術家出借洗練成熟的作品之餘，台灣有權主導文化政策的機構也不應限縮預算和人力，以免在自家一塊塊不斷琢磨的璞玉面前走寶了。