互動之必要 社交場活演出

美術館以你從未見過的方式在你眼前開展。

北美館《社交場》台韓藝術家聯展空間裡，安排活演出──作品動起來，可移動到任何空間。

在美術館/博物館展覽空間裡表演，這股風潮用意在活化展覽空間，為展出藝品創造多層次感受，目標是為了拉進更多參觀民眾，改變民眾「已去過了」的既定印象。

北美館《社交場》為活演出提供一個舞台，1B空間交給創作者「搭台」，這個固定基地只是個參考點，演出者可以外溢到明亮的走道、前廳、樓梯、電梯等空間。活動的作品概念吸引美術館觀眾，能夠接近演出者，也給觀眾帶來極大新鮮感。

孫尚綺〈透明〉，圖版提供｜台北市立美術館

孫尚綺「透明」在展示室一角擺上打擊樂器，中心位置是切割鐵皮搭建的變種鐵皮屋，露出一支樓梯。舞者在偌大的空間裡伸展，身體與其他舞者靠攏聚合又轉開。舞者移向展覽室外向出口的通道，大片對外玻璃呈現不同的舞台，映照舞者的身體，柔軟曲線和直線的不同組合，在單人操弄打擊樂聲中，迴盪出原始又超脫塵世的意象。觀眾安靜地圍看，不停地拍照、錄影。

舞者隱沒在美術館大廳手足球枱間（另一個作品），甚至隨著其中一桌進球時吆喝聲跟著即興跳躍作勢歡呼。舞者扭曲身形隨著建築動線舞動，一旁打擊樂手擊板製造節奏，一面宣告這裡正上演著表演，舞者依編舞設定的節奏、情緒緩慢轉回1B，觀眾亦步亦趨地跟著，週末人多，很難看到舞者每一分鐘動作。不禁令人要問人們貼近舞者想看到什麼？觀眾對舞者的每一分寸動作好奇，但經常太近，看到的較是舞者美麗身形、揮灑著優美姿態。

觀眾熱情地追跑跟隨舞者，編舞者幾度必須請觀眾後退，舞者的存在吸引了大部分關注，場內裝置和空間扮演的角色退居次要。觀眾在美術館看見舞蹈，遇見舞者就在身邊太興奮，沈浸在動作裡。事實上，舞者動作是舞蹈充分但不必要的元素。

孫尚綺在這個活演出提供了多元元素，肢體動作、打擊節奏、人聲、談話；運用到圈圍的空間、以及開放空間。舞者更換衣服的衣架很明顯地就在走道角落，讓人感覺前台和後臺變形，表演者和觀者無所不在，我們走進表演者創造出來的另一個向限的世界，透明的空間，觀眾看透表演者連續性工作，從此產生了親近。

這個表演可以不看時刻表，不經意地走進表演者的場域，或等他們飄過眼前，使每段演出有了曇花一現（éphémère）的特性，給「全場表演」保留了想像空間。

而究竟是參觀群眾闖進表演空間，或是群眾融入後給予作品活生生另一種風貌，不同創作者端出來的活演出讓人反覆思索。

耿一偉〈去年夏天你不在，我來過〉 圖版提供｜台北市立美術館

大廳耿一偉的「去年夏天你不在，我來過」作品，採參與式裝置的概念，參觀民眾可操作手足球枱，可坐上觀眾看台，進入裝置作品。而不同參與民眾激盪出不同聲音，不同風景情調。有聲音、有動感。

雖非列入活演出但同樣具遊戲概念的作品還有：河床劇團《當我們同在一起》在劇團標記鮮豔色彩搭建的方框舞台，邀觀眾穿戴服裝、道具進入裝置，走進表演，參與行動。南韓朴相華《無等異想2》，以條狀網格螢幕布置出不同層次的面向，觀眾可自行走進投影呈現的不同景致，虛實間感受到科技製造出的夢幻。

河床劇團〈當我們同在一起〉圖版提供｜台北市立美術館

《社交場》展場裡最醒目的是參觀民眾與作品自拍或合照，他們自認是作品的一部分？或極欲融入作品。想像收集踏出展場的觀眾自拍照，拼起來即刻成《社交場》的一件作品，凸顯新時代的人際關係場面：遊戲之必要，但與他人社交，不一定必要。