離開座位：雕塑的身體
Author: 吳芊逸, 2018年03月13日 13時57分
評論的展演: Anti-Pedestal | 反展櫃: 大葉大學造藝系木工房 師生聯展
策展：吉田 敦/Atsushi Yoshida
展期：2018/03/10-03/24
地點：荒原藝術
2018年03月10日至03月24日，在荒原藝術展出的「Anti-Pedestal — 反展櫃」：大葉大學造藝系木工房師生聯展，由 吉田 敦 老師所提出的「反展櫃」的策展概念，對於正在學習雕塑課程的學生而言，算是一場非常難得的實戰演練 — 年輕創作者們對於自身作品及其展呈思考的訓練。
談到雕塑的概念似乎總離不開展台；然而展台在某個意義上是否成為支撐著「一件雕塑」的概念與支柱，或者展台事實上更加貼近一種習以爲常、未被加以覺察的束縛？ 當「雕」與「塑」這樣減法和加法的結構概念，其實在從素描至油畫、一直到影像甚至更廣義的、觀念性的社會雕塑等各類型創作上面，都可見到涵蓋著這類琢磨的相互碰撞；那麼在今日，我們該用什麼樣的角度去思考今日的雕塑、今日的繪畫和影像、或者今日的各種藝術創作呢？ 根據什麼樣的基石，使得我們對一件創作其構成的「實質顯現」，能成立為它被創作者自身、以及觀眾們所認知的那個類型的事物呢？ 除了反覆的勞動（一個幾乎在所有創作中均涉及到的層面）以外、除了從材料中釋放出物體的靈魂和形體之外、除了拆解或者組構以外、雕塑之於一個藝術創作者，它可以意謂著什麼新的可能性？
或許，這個「充滿各種可能性的範疇」，正是一個值得創作者去思考和進行冒險的地方；是一段可以不斷往前的路徑（同時我們也應當去質疑為何我們總採取「往前？」的態度，而非「往上」或「往下」？）美術史非得以線性時間觀來了解嗎？ 在時間之中，是否存在著不同跳躍的可能？ 假若有，那麼空間也將因此而獲得全然翻轉的理解和改變。
然而，以上的觀點僅僅是透過語意邏輯而衍生出來、用以打破傳統分類所建造的平行世界和僵固印象的一種穿越方法；是透過邏輯和語意的遊戲，探索思考的可能性、實驗可嘗試的創作面向；但就如同雕塑不應被展台所綑綁一樣的，我們也同樣需要帶著覺察來使用這樣的方法，而不應為語言所綑綁 — 在這樣的立足點上時，語言在思考上所發揮的作用，不僅僅做爲一種傳達，同時也造成一種彎曲；成為時間和空間型態的曲面。唯有透過如此反覆不斷的推敲，去尋找真正適合自身創作存在的形式、追求自我能透過某種表達而存在著的，那個更加精確的形式；並在所謂正確與不正確的判準中間、在技藝和概念之間、在相互疊合或者分歧的範疇之間，去創造出一把新的尺；這也是年輕的藝術創作者們，在展覽實踐上面臨的一個重要課題。
由於拋棄了展台的緣故，學生創作者和他們的作品「被迫」暫時處於一種懸宕的衡量狀態，在群體和有限的空間之中，試著從地面到天花板的全面尋找另一種型態的支撐 — 然後或許終究會覺察到，事實上它們可能不一定需要一個台座的支撐，而能仰賴著自身的雙腳站立。
在這次的展場規劃當中，當一件雕塑作品離開它所習慣依附的展台之後，可以在其它地方生長出額外的生命力；一件雕塑作品所涵蓋的空間，除了它自身所佔據的那個量體之外，向外延伸到了它所身處的環境、它的周遭；它不再是一個永恆不變的、缺乏想像力的面貌，而是成為一種開始與場所息息相關的作為裝置的潛力 — 如同一個活生生的人，在成長（或許也可視為一種雕塑）的過程中，逐漸學習著如何與他自身的處境應對和變化。
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