劇場有別於影像的特點――《職男人生7：有夫之夫》

平時沒有觀賞劇場的習慣，因為以往認為看電視連續劇或是看電影擁有更優質的視聽體驗，何必花更多的錢看舞台演員和不真實的佈景，拙劣地再現戲劇文本、模仿戲劇文本呢？

不過近期看了《雪姬來的那一夜》與《職男人生》之後，我對於戲劇劇場的認知稍稍改觀。雖說兩者的劇場依然遵照著文本在進行，但是它們在文本以外的東西如道具、燈光、肢體動作等等都有帶給我打破文本框架的感覺，尤其《職男人生》讓我體認到劇場有別於影像的可貴之處，也是我接下來要大灑文筆的東西――不可複製的現場性。

我覺得若非得要再現文本的話，「電視連續劇」和「電影」這種載體一定比「劇場」還要優秀且吃香：演員失誤可以卡掉重錄，直到達成近乎完美的演出；用濾鏡與影視特效搭建一個炫砲且趨於真實的場景與世界(即使賽博龐克的世界觀有著現代無法抵達的高級科技，也能透過特效搭建出不違和的未來世界舞台)；雖說觀眾只能盯著長方形螢幕內的演出，但是螢幕內的真實演出並沒有像劇場一樣受到舞台空間的限制，可以透過運鏡與分鏡延伸，幫助觀眾想像、推理場景空間，講得浪漫一點，就是帶觀眾走進框架內的電影世界；鏡頭可以化作觀眾的眼睛，靠近演員與物件，比起觀賞劇場只能看幾個小點在舞台上活動。

舉了這麼多連續劇與電影的優勢，你可能會想：各方面都輸的劇場，究竟還有甚麼優勢？

在新興媒介發光發熱的同時，舊的媒介便會開始進行自我反思。當攝影出現之後，這種情況也在繪畫領域發生過；同樣地，自從1888年有了第一部電影的誕生，人們開始反思劇場的特性究竟是什麼？劇場藝術的哪些要素才是不可替代的？

於是人們得出了一個答案――不同於複製或可複製的現象，「現場性」才是劇場的特點(引用自漢斯-蒂斯‧雷曼《後戲劇劇場》)。

劇場有別於已經拍攝好的電影、已經寫下來的小說，它是做為此時此刻正在進行的過程而得以完成的。因此我認為劇場若想完成演出本身就有難度，即使經過無數次排練仍有出包的可能，然而就是因為其難度，才能感受到劇場藝術的「稀缺性」，深切感受到表演者的真誠與背後堆疊的努力。

舉個例子，曾經有影音創作者拍攝「網路迷因(meme)變成現實生活」的影片，而我卻不覺得有比原本的迷因好笑，有時鏡頭還會特寫聽聞笑話的那方的表情，看得我是十分尷尬，就像是撥放罐頭笑聲我就要跟著笑一樣。於是我花時間釐清這份感受，並得出一個解答：搞笑的對話可能被重複錄製了好幾遍，而且對話不見得是連貫進行的(分開錄製)，所以覺得很虛假、不好笑。當你要跟對方講笑話時，本來就不會因為自己表情跟語氣不夠滑稽、對方聽聞後反應不大，而重新講一遍。

然而《職男人生》所表演的「漫才」正是一種需要「裝傻的搞笑角色」與「正經的吐槽角色」一搭一唱的喜劇表演形式，若是用影音錄製的方式呈現，恐會失去對話的連貫性，進而導致觀眾喜悅的情緒消失。然而因為是現場演出，才讓搞笑變得有臨場感、真實感；對答如流的對話，也讓觀眾在觀賞時不會想到「段子是事先排練好的」這件事情。

上述還有一則命題尚未解決：劇場藝術的哪些要素是不可替代的？在《職男人生》中，我想特別介紹兩種要素，一是肢體動作，二是燈光。

演員用嘴巴訴說台詞的同時，肢體動作也相當豐富且巧妙。很喜歡第三段「籃球短劇」耿賢的某個不起眼的動作：當教練要跟一名建功的球員擊掌時，他自己也默默把手舉起，意識到教練根本沒要鳥他便迅速收回去，伸手到收手的過程不到3秒，當重點聚焦在搞笑的對話時，觀察到額外的資訊讓我覺得有樂趣；還有第五段「森量漫才」阿量的某個細微動作：當他調侃自己「此生無憾了，可以拿去燒了」的時候，便將雙手交叉在胸口前，身體往後傾斜，讓我得以連結到他所描述的意境，「笑死」。總而言之，肢體語言的融入，讓搞笑不是只有靠文本來支撐，會感覺好笑不只是因為寫手寫得好，演員的表現與投入程度也會是有不有趣的關鍵。

豐富的肢體動作，無論浮誇或是細微都能勾起我笑點。圖片來源：面白大丈夫臉書

另一個劇場藝術不可替代的要素則是燈光。第六段「忘詞短劇」便是利用開關燈光的手法，切換「排練前」與「正式排練」的時空。當正式排練時，演員忘詞導致無法推進劇情，燈光就無預警暗了下來，有種莫名的喜感，這種黑掉的搞笑手法就很像動畫中的主角受挫，於是動畫播到一半突然宣告全劇終，接著播放謝幕名單一樣無厘頭。

光是使用燈光就能有喜感。圖片來源：面白大丈夫臉書

我所欣賞的劇場，就是能適度脫離戲劇文本所帶來的限制，在道具、燈光、肢體動作帶來視覺饗宴與認知震撼的劇場，製作團隊兼演員的面白大丈夫，令我對無論劇場方面還是大眾娛樂方面，有了新的選擇與見解。