繪畫延伸的聲音維度：評吳燦政個展《靜物》

繪畫延伸的聲音維度：評吳燦政個展《靜物》

當我們談及一個地方，通常以視覺的角度描述，如談及它的風景、城市景觀等，很少會談及其聲音，縱使聲音無處不在，暗中塑造我們對地方的認知和記憶。吳燦政於2011年至2021年執行「台灣聲音地圖計畫」，環島超過二百次，收集台灣各地的聲音，透過建立檔案庫，展現地方不一樣的面貌。在紀錄之後，吳燦政在其它作品運用錄音素材，加入影像、裝置等元素，繼續探問聲音、感知經驗和對地方記憶的各種可能性。

大未來林舍畫廊正舉行吳燦政個展《靜物》，延續藝術家以往的創作脈絡，以聲音為主軸，把切入角度從環境轉移到具普遍意義的靜物，作為這次個展的定位。《靜物》展出了吳燦政多年前的繪畫作品，與其他聲音影像裝置並存，帶出藝術家對繪畫的思考。「靜物」作為繪畫的母題，源於17世紀荷蘭黃金時期，存在了數百年，靜物一直為畫家凝視和描繪的對像。吳燦政從聲音的角度解構靜物，靜物不僅是靜止（still）之物，亦是靜默（silent）之物，探討聲音、物體和視覺之間的灰色地帶，打開靜物不一樣的維度。本文將從繪畫的角度切入這次展覽，透過作品分析，說明吳燦政如何交互視覺和聽覺，沿襲同時突破傳統意義上的靜物。

【圖1】 吳燦政，《灰色繪畫》。2017，壓克力顏料、畫布，50x50cm，大未來林舍畫廊。圖片來源：鄺鉅裁拍攝。

單色畫：聲音與基底隱喻

踏進大未來林舍畫廊，《台灣聲音地圖計劃》以聲音影像裝置的形式呈現，螢幕放映著近乎漆黑的畫面，一行細小、模糊的文字標示時間和地點，同時播放微弱的環境聲音，如白色嘈音一樣包圍著整個展覽空間。正式進入畫廊的內部展覽空間前，首先迎接觀眾的是畫作《灰色繪畫》，顧名思義，整個畫面就只有灰色壓克力顏料，近看則會發現當中暗藏了如裂紋般的基理。這不禁令筆者聯想到葛哈・利希特（Gerhard Richter）的「灰色」（Garu）系列繪畫[1]，同樣以灰色顏料塗滿成畫面為操作。灰色是1960年代晚期到70年代單色畫最常用的色調，代表藝術家有利希特和艾倫·查爾頓（Alan Charlton），他們使用灰色減少顏色的象徵性，以及繪畫的再現成分。自現代主義繪畫開始，純粹的精神性為藝術家所追求，反對傳統繪畫作為三度空間的錯覺，淪為再現物質世界的工具，試圖超越可見之物。畫家從對主體的描繪轉移到基底，讓觀者重新感受繪畫的物質性，如顏料和筆觸等。《灰色繪畫》引用了單色畫的脈絡，把它放置在當代的位置，為展覽提供了觀看的切入點：主體和基底（ground）的關係。在往後的作品中，非再現性、注重基底的意圖反覆出現，隱喻聲源的缺席，以及聽覺的無意識狀態。 

【圖2】 吳燦政，《城市聲音軌跡 01》。2023，壓克力顏料、畫布，80x80cm，大未來林舍畫廊。圖片來源：鄺鉅裁拍攝。

「Line」系列在灰色的基底上，加入規律的銀色線條，線與線之間有平均的空格，使人聯想起聲音的平穩頻率和節奏。對比《灰色繪畫》的平塗畫法，吳燦政在此加入身體性的成分，線條不僅是視覺引發的節奏感，更是繪畫過程中，手作為行動的介入。《城市聲音軌跡 01》更將身體性推進，藝術家用製圓鉛筆描製單色畫，遠看如沒有再現成分的紋路，近看則發現顛簸的線條中隱含了風景的碎片，隨著觀眾的視域而變動，彼此纏繞交錯。風景擷取自不同的現實空間，卻同時存在於統一的畫面，沒有違和感。

這種圖像的閱讀體驗是共時性（synchronic）和歷時性（diachronic）並存的，前者發生於遠看的時候，所有城市的碎片融為一體，如多種聲音同時被聽見，互相交疊，變成感知的基底；而後者則指，近看時能指認出描述的主體，如閱讀漫畫、連環圖時的視覺經驗。製圖鉛筆自身帶有草圖、臨時性的意味，能與視域的變動作類比。擷取和描繪城市風景的碎片，與收集、記錄環境聲音是類近的，記錄這個行為本身就是在眾多聲音中進行擷取，在播放和重新聆聽的時候能仔細閱讀、解構，最後重構在記憶中的形象，讓聲音脫離混沌無明的狀態，亦即嘗圖離開基底的狀態，轉化為可見之物。

在這次展覽中，吳燦政不僅把不可見轉化為可見，同時把過程逆轉。「無題——未明的時間」系列在紙基相紙上呈現出如污跡的基理，沿媒材的方向思考，這和攝影、顯影的操作手法有關。紙基相紙用於底片沖洗，透過光與化學藥劑的反應，在表面沖洗出影像。沖洗、顯影都是具時間性的動作，而類比（analog）攝影更涉及光學無意識，亦即在按下快門的那一瞬間，影像的擷取完全奠基於機械，無法如繪畫一般介入、掌控圖像的生成。從《無題——未明的時間（為林舍畫廊而顯現）》這標題推測，這系列的圖像在產生過程中，有明確的被顯現的主體（地點），而通過相紙，主體從可被指認變成只能被感受的，符號缺席的狀態。

靜物：聲音缺席和填補

「缺席」是展覽中一個不能被忽視的面向，吳燦政的創作一直圍繞著記錄聲音，但在這次展覽中所出現的主體則是靜默之物，它們無法自行發出任何聲音，這意味著聲音的缺席。透過周遭環境的聲音與靜物圖像拼貼、錯置，吳燦政以缺席的狀態，讓觀眾重新感知、審視靜物在聲音維度中的存在。

【圖3】 吳燦政，《空》。2022-2023，聲音影像裝置，大未來林舍畫廊。圖片來源：鄺鉅裁拍攝。

《空》是聲音影像裝置，依照展覽的觀看動線，亦是第一件結合聲音、繪畫和錄像的作品，主要由兩部分組成。首先是兩幅並列的繪畫，在空白的畫布中央是分別是兩朵雲，一白一黑。第二部分則是投映和聲音，牆壁上投映著沒有雲的天空，呈現正方形的淡藍色塊，回到單色畫的形式，但色調的變化，影像的剪接和晃動暗示這為錄像，同時播放環境的聲音，能辨別出蟲叫聲、風吹過樹葉的聲音等。表面上，聲音、繪畫和錄像三者毫無內在關連，但實際上同時指涉天空這個符號。

認知在此被分割成三個層次，首先是視域的切割：錄像的構圖中只有天空，底下的環境被排除在外。第二是投映的、物理上的切割：以「L」字形的方式投映在角落，牆壁擋住一部分的影像，形成梯形和正方形。最後是影像和聲音、主體和基底的切割：觀者只能聽見環境的聲音，但看不見發聲的主體。透過這巧妙的三重分割，藝術家刻意製造出主體缺席的狀態，再以主體外的枝微末節，填充早已安排好的空白。

【圖4】（局部） 吳燦政，《空》。2022-2023，壓克力顏料、畫布，30x30cm，大未來林舍畫廊。圖片來源：鄺鉅裁拍攝。

與之並置的繪畫，則是具指涉功能的裝置（device），投映的錄像是單純的色塊，而畫作中的雲正道出了背後的寓言，建立關聯性。觀眾先看見畫作，再看見投映，聽見聲音，這次序的意圖是先召喚天空作為符號的存在，確立後才能引發想像：天空底下活動的、發聲的主體。《空》的英文翻名為「Null」，其拉丁文字源為「nullus」，是無（none）的意思，作品的標題不僅指天空，更暗示空無、缺席的狀態。天空作為自然中的龐大之物，每天在我們的頭頂上靜默地飄過，在聲音維度上的存在只能透過底下的事物凸顯。此處的「空」帶有多重寓意，對應中文詞語的「天空」如何形塑我們對天空的認知，同時透過畫作中天空的形象，召喚視覺經驗殘留下來的聽覺記憶。

從凝視到聆聽：翻轉傳統靜物畫的主客體位階

身體性、感知經驗、時間感等關鍵字反覆出現在藝術家自述[2]和展覽論述[3]中，無論是影像或聲音，都得透過視覺和聽覺才能被感知，吳燦政提出了一個哲學命題：因能被感知而存在。身體現象學家梅洛龐蒂（Maurice Merleau-Ponty）在著作《眼與心》中，對畫家如何感知世界，繪畫在認知層面上的意義有深刻討論：

「梵樂希（Paul Valéry）說：畫家『提供出他的身體』。事實上，我們也看不出『心靈』（esprit）要如何作畫。透過把他的身體借給世界，畫家才把世界改變為繪畫。要理解這些全質變化（transubstantiations），必須回到實際運作中的身體，它不是一塊空間或一簇功能，而是視覺和運動的交纏。」[4]

雖然梅洛龐蒂討論的是繪畫，但筆者認為，這亦適用於解讀吳燦政的作品。在「台灣聲音地圖計畫」，藝術家借出他的身體，穿梭各地記錄環境聲音，同時明確地標記錄音的時間、地點，甚至用了什麼錄音設備。雖然錄音以檔案庫（archive）的形式保存，但事實上，在被記錄下來的那一刻就不是全然客觀。錄音設備決定了聲音的質量，通過電腦轉化為音檔，由揚聲器播放，當我們聽見聲音時，它已經過多重轉譯，而關鍵是，聲音觸發感官經驗留下來的記憶，讓我們重新想像、思考聲音的來源，以至發現記憶中的空白處，反思對世界的認知。這次展覽則指直指靜物的空白處，從繪畫延伸聲音的維度，使視覺、聽覺和記憶呈現交纏的狀態。

【圖5、6】 吳燦政，《時間流 02》。2022-2023，聲音影像裝置，大未來林舍畫廊。圖片來源：鄺鉅裁拍攝。

在吳燦政的作品中，事物的理型（Forms）並不存在，我們對世界的認知在時間、空間和感官狀態的條件下一直變動，即使是靜寂之物亦不是全然沉默，周遭的背景聲暗中形塑我們對它的認知。聲音影像裝置《時間流 002》、《森》和《背景3－時態》一再顛覆我們對花、樹木和光這些自然之物的聲音屬性。花作為傳統靜物畫中常見的主題，隱含著畫家對其靜止的凝視，透過繪畫讓花永遠凝結在畫作之中，如時間的標本。吳燦政則鬆動了這圖像的制式，透過錄像記錄花枯萎的過程，以模糊化、溶解、切割等剪接效果，同時配上合成過的環境聲，彷彿花在發聲，以聲音的形成反過來包圍、凝視觀眾，翻轉傳統靜物畫的主客體位階。

最後，展覽以《平行的世界－畫外音 2》作結，畫面中有一隻巨大的人臉蜘蛛，表面佈滿刮痕，如蜘蛛織出來的網。這是吳燦政對認知世界的寓言，刮痕象徵著聲音、時間的痕跡，與蜘蛛的圖像並置，彼此交纏難解，正如視覺、聽覺和記憶之間的關係。筆者認為，《靜物》能做到真正意義上的跨感官，而不只是為影像配音，呈現有聲有色、膚淺的感官刺激，而是透過平淡的日常切入，正面迎向並鬆動視聽兩者之間的節點，使人重新思考習慣當中的歧義。吳燦政從以往對環境的探討聚焦到靜物，範圍從大到小，從特定的地點到具有匿名特質的物體，環境並沒有就此消失，反而被物體的靜默凸顯出來，產生強大的張力。傳統靜物畫所忽略的背景、環境，吳燦政以聲音作填補，在「靜物」的概念下走出新的歧路。

[1] Gerhard Richter，〈GREY PAINTINGS〉，《GERHARD RICHTER》，網址: <https://gerhard-richter.com/en/art/paintings/abstracts/grey-paintings-13?sp=all> (2023 年 5 月 20 日檢索)

[2] 吳燦政，〈藝術家自述｜靜物 – 靜寂的物體：在靜默的物件與寂靜的空想物質之際〉，《大未來林舍畫廊》，網址: <https://www.trueart.com/news/620844.html> (2023 年 5 月 20 日檢索)

[3]〈【靜物】吳燦政個展〉，《大未來林舍畫廊》，網址: <https://artemperor.tw/tidbits/14515> (2023 年 5 月 20 日檢索)

[4] 梅洛龐蒂，《眼與心》（台北市：典藏藝術家庭，2007），頁80。

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關於作者：

鄺鉅裁，香港人，出生於1995年。畢業自中文系，現就讀於國立臺北藝術大學美術系碩士班。作品多以繪畫和裝置為創作框架，從個人聯想的角度出發，在當代圖像的大敘事中，發現集體和個人解讀之間的裂縫，提煉出私密的視覺語言。主要展覽包括：個展《事後》、聯展《持景行走》，《一次算不得數》。個人作品網站：https://www.kwongkuichoi.com/。