前衛的鄉愁（Nostalgia for Avant-Garde）

前衛的鄉愁

Nostalgia for Avant-Garde

擁有古典音樂打擊樂器訓練的香港藝術家邵俊傑，把前衛音樂的爆破與驚奇，當作是從保守古典樂世界抽身的途徑；長期在講究時間準確與紀律要求的古典樂團中表演，邵俊傑認為自己在古典音樂世界，就是一個不折不扣的技師（technician），或者說，就只能是一個技士；只有在博物館中，那些以視覺為導向的空間中的實驗演出，他才覺得自己是個創作者。他的表演，擺盪在試圖擺脫古典音樂訓練塑造的馴化身體，與對前衛聲響的懷舊趣味之間。

圖片來源：失聲祭

3/1邵俊傑在台北數位藝術中心的失聲祭演出，總共分成四個小節：第一段是以象徵童趣的彩色玩具球在鼓上叮咚節奏輕鬆起頭。看得出來，即使以塑膠玩具球取代鼓棒，藝術家對聲響節奏形式的精準掌握，以及對身體的控制，依循的是一套來自古典音樂嚴格的紀律。這種紀律，事實上也表現在藝術家如何以一套事先準備好的腳本，來完成四段的演出。例如，演出的第二段，藝術家將打火機拿到麥克風下，放大點火的聲響，接著將手上的樂譜撕掉、燒掉；手持打火機、穿過觀眾，藝術家將火苗靠近觀眾，走向舞台對面，在另一頭的桌子上，依據事先準備好的樂譜敲擊木製物件作聲。這時我們逐漸確認，藝術家諸多燒毀樂譜、改造樂器的彈奏，與1960年代偶發藝術慣用腳本形式間的相似性，不在於偶發藝術強調的現場即興與不確定性，而是其中腳本對演出者提供的行動指示與演出者身體的展演性。

這套腳本，似乎讓藝術家在表演過程中，避開了「燒毀樂譜」以後，必須面對「攀附什麼？」的藝術哲學問題。畢竟，脫離古典音樂，首先要面對的是，拿什麼來取代那些古典音樂裡面透過樂譜所建立的的種種框架：時間怎麼走、身體不為樂譜重演服務的話，啓動演出的哲學源頭要歸向何處？自我表現？解構顛覆樂器與音樂形制？樂音效果論亦或是藝術家的身體政治優先考慮？表演與觀眾的位階與主從關係如何處理？即興是放浪身體解脫於時間與既有樂譜體裁的形式之一，但邵俊傑並沒有採取這種強調當下自發性（spontaneous）的路徑，而是再度引入樂譜（腳本），並以1960年代的偶發藝術常用的腳本概念，把表演再度發展成擁有四個小節的形式--令人想到古典樂曲的樂章形式。

邵俊傑一套四小節的腳本（其實也可以說是樂譜），是他解脫古典音樂演出結構、露出他的身體樣態—尤其在演出時間軸中，顯現作品形式的時候—得以有所攀附的軸線。這多少透漏出藝術家可能正面臨著無所依恃的焦慮; 另外，精湛的樂器技術到底如何才能成為脫離古典音樂之後，依舊維持優勢的元素？對此問題的考量，或許是整場演出依舊可見邵俊傑精湛打擊技藝展現的原因。

有趣的是，所謂的樂譜，除了是樂手表演在時間軸上、在音樂符號學、表意學的依循對象之外，在第三小節裡，「樂譜」擴張為行為藝術腳本性、音樂性、詩（文學）的音韻、節奏與意象。這裡邵俊傑以舊金山音樂家Charles Boone的一部以朗誦lyn Hejinian詩作『書寫是對記憶的協助』（Writing is an Aid to Memory ）作為他打擊的樂譜：預錄的朗誦詩從喇叭播放出來，藝術家在現場鼓聲應合其節奏的方式加以重演。朗誦英詩的腔調與韻律，優美地與擊鼓前後應和，彼此協調。

演出的最後，循著樂譜中五線譜上具象的手繪圖像的指示，邵俊傑在透明圓形容器中來回揮舞雙手以製造洗手、潑水的水波聲響；又把鑼在水裡、水外來回敲打玩弄，直到最後以兩個石頭的敲打、狠狠重擊，結束整場演出。這一重擊，似乎有要搞砸樂器的意圖；但是，這一晚我們並沒有過分驚嚇，畢竟，過去前衛藝術驚嚇觀眾的手法，是否奏效，並非取決於重擊是否夠重，而是場域屬性以及觀眾預期。二十世紀初期的前衛表演，進場的觀眾多少帶著預期受驚嚇的心理，因此，可以說前衛藝術意圖創造的是一種有別於美術館行為得體、衣冠楚楚的新形態觀眾。如今，台北數位藝術中心中失聲祭的觀眾想必是，預期聆聽各種異質聲響的觀眾，任何在這裡的演出，終將等著被以聲音藝術的名義給消化，因而，演出中諸多溢出古典打擊音樂的嘗試，即便爆破，也愈來愈像是一種對前衛藝術的鄉愁。