不插電的島嶼能量場 －記捌號會所《Taiwan Focus：Omlivon - The Dreams Garden》行前音樂會

圖版提供｜捌號會所

演出：雲樹雅集＆西尤島樂團
　　　二胡／王瀅絜
　　　擊樂／張幼欣
　　　人聲暨西塔琴／吳欣澤
　　　爵士鼓／曾淵明
　　　鋼琴／林格維
時間：2018/09/28 19:30
地點：台灣大學雅頌坊

這是一篇猶豫很久才下筆的評論。說是評論或許不太準確，更貼切的說法，是自《Taiwan Focus》出發韓國全州國際音樂節前所舉辦行前音樂會所延伸的紀錄與觀察。猶豫的原因，是這場標題訂為「Omlivon – The Dreams Garden」的演出[1]，「只」是場出訪行前tryout，正式演出於海外，之間有何修改、調整，也無從比較。此外，因台大雅頌坊場地規模限制，實際參與觀眾人數有限，可能也無法藉此篇文字獲得太多共鳴。然而，最終下筆的原因也正在此。特別是在捌號會所的主導策畫下，集結五位台灣音樂家（王瀅絜、張幼欣、吳欣澤、曾淵明與林格維）以即興精神共同創作，一氣呵成的四十分鐘演出，或無機會在台灣重演（即便重演，相信也會是截然不同的作品），作為台韓文化交流的台灣代表，能在台灣方留下些行前演出的文字紀錄也自有其價值吧！再加上音樂類演出沒有文字作為文本記錄，評論數量也始終遠不及舞蹈、戲劇…於是有了此文。

跟著台上演出者屏氣凝神四十分鐘後，同行友人與我的第一個反應是：「彷彿通靈般令人身心暢快！」這指的不是什麼宗教學說的神祕學、泛靈論（儘管所引發的感受極為相近），而意指演出過程中五位音樂家心領神會，既推動音樂前進也被音樂推動的默契，彷彿與音樂一起創造了一條能量流，甚至將觀眾捲入其中，所有的起伏頓挫，或激昂或低迴，都是順勢而為。這樣的比喻並非故弄玄虛。在五人合奏中擔任重要位置的二胡演奏家王瀅絜曾於【戲台放送】直播訪問時用了類似的比喻：「即興就像武林高手過招，各自練功後聚在一起，見招拆招，享受每次會心一笑的時刻（…）期間更迷人的是能量的變化，演出者敏銳專注於當下，知道自己什麼時候是主角、什麼時候是配角，自然牽引著能量的變化。」[2]打開五感，保持敏銳，似乎正是武林高手在「練功」外更須具備的能力。此外，某次演出策展人林芳宜（捌號會所藝術總監）以作曲家身分接受筆者訪問[3]，曾表示她與吳欣澤（此次擔任人聲與西塔琴）的合作，即便是樂曲發表而非即興演出，都是藉由在音樂中設定許多「sign」，讓不看譜的吳欣澤知道音樂走向，再憑藉著自身優異的聲音表現力，做出豐富有趣的回應。儘管此例或與《Omlivon – The Dreams Garden》無特定作曲人而由演出者共同創作的性質不同，但如何「見招拆招，牽引能量變化」的精神，卻應是一致。

然而，「能量」要如何感應？王瀅絜在【戲台放送】節目中開玩笑提及即興有時也被當作「台上人玩得很開心」的「自high」。不過，以《Taiwan Focus》的創作目的來說，恐怕沒有任何「自high」空間。據音樂會節目單所言：「邁入第18年的音樂節（指韓國全州國際音樂節），自2016年起透過作曲家暨策展人林芳宜的引薦與推動，該節每年邀請臺灣藝術家赴韓演出，過往受邀者如：泰武國小古謠傳唱隊、臺灣京劇小天后黃宇琳、青年作曲家陸橒作品《點將》、傳統器樂潮團三個人樂團，每年皆獲得當地觀眾廣大迴響，展現台灣多元的文化紋理。」由此可見，如何在國際場合磨亮臺灣品牌，成為《Omlivon – The Dreams Garden》最重要的任務──更何況，面對的還是早已深諳此道的韓國文化圈受眾。

圖版提供｜捌號會所     攝影｜許哲瑋

究竟什麼是能代表台灣的音樂？台灣本土音樂自早期人類學式的田野採集、文化保存與傳承，或解嚴以降透過民謠以賦權（empowerment）的認同訴求[4]，是我們都不陌生的範疇。在此，更浮現了「台灣」一詞在多元性與集體性間的矛盾，正如本土音樂既可建構國族想像，也可對內形塑單一族群認同。如何能（或是否真能）在這座島嶼（與其周邊島嶼）彙整各異特質，轉化為可辨識的「主聽覺」向外發聲，成了不可迴避的問題。

在《Omlivon – The Dreams Garden》演出中，乍看之下似乎依舊是道拼盤式的多元菜餚，但我們經由《思想起》的旋律，卻被引入與過往想像大相逕庭的島嶼風景。雖依然雨露均霑般地以多民族傳統歌謠與當代創作作為素材，包含〈思想起〉、噶瑪蘭族〈慰藉曲〉、泰雅族〈勇士歌〉、王瀅絜作品〈悠〉、王乙聿所作二胡協奏曲〈抓狂〉與陸橒所作二胡協奏曲〈西秦王爺〉，但隨著元素彼此消融，沖淡了所謂民樂（或民間樂器）往往切割不了的歷史、民族意涵。舉例來說，「西塔琴」在這場演出組合中，成了單純的樂器，而非「來自印度的民族樂器」。事實上，不只西塔琴，在台上彼此唱和的各家樂器，雖來自不同文化脈絡，卻只不過是聲音表現的媒介。在此，我想先岔題提及多年在傳統／現代、東／西二元論挾制下的行筆躓礙，如過往我們總是循例將二胡定義為「傳統樂器」，然今日當二胡用以演奏當代音樂時，是否還是以其「傳統音樂」身分發聲？也有數百年歷史之久的小提琴（雖經過多次改良），為何就不需背負此標籤？諸如此類自西方音樂中心論發展的語彙，如傳統樂、民樂、世界音樂，總讓自音樂衍生之「書寫」產生某種「言不正、名不順」的礙虐（gāi-gio̍h）感。好在音樂的世界不須言語，自也逃脫了定義的阻礙。而這或許正是《Omlivon – The Dreams Garden》五人合奏所被賦予的自由──卸下樂器與樂曲曾背負的標籤，回歸人與樂器（有時如吳欣澤與張幼欣，人也成了樂器），彼此互有主導。過招之際，手中樂器成了武器，作曲元素則宛若招式，雖各有門派，端看高手如何運用，且在流動的默契中探索各種摩擦震動所產生的聲音可能性。

那麼，在40分鐘的通靈之後，我們又獲得了什麼關於台灣的想像？我想以「文化認同」或「文化符碼」包覆的音樂想像，終究得進一步來到「見山還是山」的另個境界，卸下之於西方成為民俗、成為傳統的包袱，反倒在集體參與的能量場中，建構出不被過去也不被未來所侷限的「當下」，回歸音樂自身如祭儀、如歌謠傳承的匯聚本質，這或許正是文字永遠無法企及的境界。