是誰啟動的同在/一起？＿《我・我們》

演出後，有一種難言的體悟，類似「不要因為我們的期待，限制我們的想像」，但這句話，其實是在寫稿的當下，才終於收束的一個體悟，並落筆成為書寫的正式起點。而這句改編自網路流行語的通俗短句，如此貼切，彷彿既定的學術評論或藝術觀察，都可以暫時這樣輕鬆地被放下。

作品在台中首演後，我不免在臉書上，一直看到關於這個作品帶給觀眾的驚喜或驚訝。直到台北演出前後，依舊如此。於是，我想先問問自己，內心期待的舞蹈節目，是什麼？排灣族的藝術或文化是什麼？布拉瑞揚舞團的作品，又是什麼？我自己有沒有，可以暫時放下慣性期待與美學批判，純然去體驗作品的可能？然而，這並不是一個簡單的事情，藝術欣賞對於具有專業養成背景的觀眾來說，難免有某種職業慣性運作的基礎；這樣的基礎，有時也是深化理解的基石。《我・我們》正不經意挑戰了這種藝術欣賞的體驗。它提醒我思考：如何在高速運轉的世界裡，讓經驗不限制欣賞過程的想像？如何邀請觀眾更自在地沈浸於當下後，從慢慢回想欣賞經驗的過程裡，再重新感受作品帶來的刺激或辯證。

梳理完作品給予我關於「體驗慣性」的提醒外，作品名稱也是開啟理解的關鍵提示。《我・我們》框架了人我的設定，在群體的共存裡，你和他，暫時消融；因為，作品希望將群體都融入以「我」為基礎的單位之中，再延展出群體意識。這樣的想望可付諸實踐的關鍵，則讓我需要特別關注創作團隊裡所有的設計創意。因為，《我・我們》讓我願意在藝術學養造成的體驗慣性中，突然棄械投降而沈浸於當下，是源於作品開場的篤定感，一種強力的整體氣勢。這樣的氣勢可謂是結構力學裡的動力波（Dynamic Wave），篤定不猶疑的強力波動，產生散幻張力的入神（Trance），逐漸將智性理解引入近似目眩神迷的感性存在。這些表現元素的創造性與匯聚力，透過影像設計、燈光設計、圖繪設計、服裝設計、聲音編曲設計與肢體舞蹈設計的加總，各種設計的共存，形塑了《我・我們》的層次力道，支持著舞台上各種表現元素的動力波起伏，以及波段之間的力流轉換。《我・我們》屬於形而上的精神意義，都因為形而下的物質設計，而被烘托與昇華。甚至，引導我更細心的觀察，物質作為媒介，本有的精神召喚力。

布拉瑞揚舞團《我・我們》| 攝影：Kim Lee

影像流與光靈

影像光牆是舞台上第一時間最吸睛搶眼的存在，有別於原住民藝術常見的原色系與大地色系風格，設計上選用霓虹瑩亮的發光質材，展示著當代色彩學的偏好－特別色的視覺衝突運用。尤其是這些特別色是不僅要撞色，還要同時共在，產生出每一個圖像內容都同等重要的宣示。這些對比色與特別色的奪目閃爍，撞擊在觀眾眼球上的顯像特質，與當代的資訊流狀態極為相似。在數位世界的流動中，圖像資訊企圖用各種方法，讓每一種資訊共存於同一閱讀介面，共存狀態使得每一個資訊的重要性難分軒輊。因此，過去的時代，資訊僅只是內容，但如今的資訊流，已然是一種力量的存在。而在譜滿裝飾圖騰的光牆上，原住民文化的萬物有靈與共生，也轉化為另一種屬於數位影像流的萬物有情與同在。影像瞬息萬變的閃耀裡，畫面的切換生成，近似萬物流動生命的瞬息棲居，照映著當代文化脈動的呼息頻率。無論我們喜愛或接受與否，人造的數位資訊影像，以光體流動的形式成為作品無法忽視的存在；穿越了人類文明所有的空間，形塑著當代人造自然的景觀意識。

而上述的霸氣影像光牆，在宣誓著文化資訊流動的強勢影響外，感謝還有另一種光源，提示著悠長的藝術表現輪廓，曾經屬於點線面、屬於細節差異、屬於引導或襯托，也屬於觀察和思想。燈光設計的每一道光，無論是輕觸緩溢在舞者的身線，或是成為肢體狂動時的魔幻支援，都讓人看到來自於設計者心思的細膩、專注與瘋癲。之所以是瘋癲，是因爲設計者仍舊不放棄，在光牆資訊流強力展現自我的同時，還在影像之外的空間邊界上，低吟著他的信仰。我們曾相信，光如是珍貴，有其靈性；光來自於天、來自於火、來自於必然的存有，也來自於無常的慾望。這種光靈，如何在屬於光牆與螢幕的當代文明裡，守護好自身的力量，並繼續展現著它不可忽視的表現性，需要瘋癲，需要信念。《我・我們》裡所有可以讓感官喘一小口氣，卻又被細緻守護著的原始敏感度，幾乎都來自於每一段作品畫面裡，那些光靈的細緻存在。野而不張，存而不現。並因為它的共在，使觀者不至於徹底迷失在影像洪流的炫目裡，還能覺察到在感官刺激底下，緩喘的視覺靈性伏流。

布拉瑞揚舞團《我・我們》| 攝影：Kim Lee

圖騰的覆場和著身

而來自原民文化的靈性力量，也潛伏在圖繪設計與服裝設計的別出心裁中。圖繪設計將排灣文化裡，來自生活樣貌、家族象徵、部落身份，以及社會階序的紋樣，進行了重新的調度與排紋。線條的扭曲、疊放或是延展，不僅是為了展現創新的可能，也嘗試摸索意義的實驗。在紋樣編繪的細節裡，可以明顯地看出傳統的根源樣貌，卻也能散發出新的符碼魅力。尤其是圖繪與影像設計之間的關聯呼應，讓紋路圖騰的變化，在成為影像流動的同時，可以超越其裝飾性的存在，強化它的象徵性，甚至輻射出近似儀式性的靈力加持。此外，紋飾也存在於舞者服裝上，使舞者得以身著這些具有奇異力量的圖騰。它可以呼應著排灣族紋身文化的當代表現，並使得表演的人身，在舞台上與影像流共存竄動時，成為原生信念的力量表徵。尤其，在傳統排灣文化裡，紋身是極為考究的大事，甚至需要邀請祖靈來觀看。這都代表了族人們深信紋樣不僅是一種生活裡的文化元素，更是一種神聖信念的轉譯。當我們在作品中，看著紋樣圖騰以影像的方式包覆著場域，幻化揚升起炫燦的光流時，那些舞者膚色緊身衣裡藏繪的紋身圖樣，也近乎是賦予了舞者轉身成巫的能量。

不過，作品讓我最驚艷的設計，是關於面具頭套的使用。我並非原民文化研究者，卻也對於排灣族服裝中華麗的頭飾或額帶，有著很深刻的印象。然而舞者身著的包覆型面具，不僅不像既定的排灣印象，其材質與裝飾細節，則更像是帶著西方象徵主義畫派氣質的歌德搖滾（gothic rock）服飾。這份黑闇，除了與光影的炫幻成為視覺上的逆向拉力之外，更重要的是，它在表演者舞動吟唱的瞬間，也產生奇異的音聲迴響質地。吟唱或低吼的瞬間，聲音向外傳遞，卻又有所隔閡，讓表演者需要引動更多不同層次的發聲力道，才能在蹦出硬核的嘶吼聲之外，還可以傳散出和柔的吟唱。這個看似低限卻華麗的設計，搭配著演出段落的內容，使得戴上面具的舞者，已然超越了文化傳統的承襲，仿若生成了一種代表人類文明幻化成靈的異次元力量。也隱然啟發我思考著當代原民藝術表現中，試圖重新描繪的未來觀。

布拉瑞揚舞團《我・我們》| 攝影：Kim Lee

意識共振和入神

最後，來到舞蹈動作與音樂編曲的整合。

前述的所有設計，都以視覺感官的引力為主，而舞蹈與電子聲響，則屬於一種表演節奏引力，銜接著身體動態與聽覺的脈動共振。有別於舞團過去演出內容，經常來自於生命情感經驗的串連，這次則偏向以合創概念的先行啟動，試圖撞擊聽覺與視覺體驗的共振，進而開展作品的風格與思路。肢體動作設計的力流（Flow），也更加強調動態設計的關聯性。無論是同時開啟的動作、依序間次的動作，或是重疊延續的動作，都回到從肢體動態思考表現意義的基礎。也強化了動作知性的質地層次，以及身體感性的媒介意識。整體來說，《我・我們》由舞蹈動作觸發感官的情緒知覺，遠多於由情感牽動肢體的動態表現。因此，所有舞者身體的伸張收放或扭轉躍動，也超越了經驗召喚的意象，而乘載了直接感官的意象，以及作品整體概念表現的意象。這應該是對於舞者們的極致挑戰，放下了人生珍貴的嬉笑怒罵，走向了更純粹的肢體表現。而這些純粹的力量之所以動人，在兩廳院偌大的舞台上與光影爭輝時，依舊迷惑力指數氣壯數位山河，則與舞者們真摯的情意動能，有著直接的關聯。

布拉瑞揚舞團《我・我們》| 攝影：Kim Lee

此外，作品各種設計元素靈動生滅交織而成的動力波，更藉由電子音樂的質地與節奏，以物理性的連結，傳送到觀賞者的身體，引發了細胞的共振波動（Resonance）。而這種共振的感受，與作品開頭的一個影像畫面，也極有關係：光牆螢幕上方近似對話口的方框，成為作品召喚連結的入口，讓 En-trance啟動後續的入神 Trance。在看似輻射外散的官能刺激裡，逐步導匯了意念傳達流動的方向，以及意識流動的共感。電子音樂和編曲的設計，結構近似高能量的節奏舞曲Psychedelic Trance, 在聲響層次堆疊的架構裡，與舞者產生相互牽引或壓制的作用力，並增強意識流動的空間向度。即使在兩廳院的現場，可能受限於自身座位的音場效果，有時聽覺不知為何有些模糊感，但電子音樂還是在《我・我們》裡扮演了最關鍵的基底。彷彿所有的靈動流轉，都是由聲響的波動先開始。從聽覺啟動的同在/一起，讓身體知覺的舒張力道，可以與影像竄流的感官衝擊對話，塑造意象並創造意義。無論是被動的或主動的，觀眾也彷彿同在/一起，見證了《我・我們》做為排灣文化探索三部曲的儀式與宣示。它不僅呈現出排灣文化當代表現的開創性實驗，也讓所有合創者們成為《我・我們》，互相刺激著藝術語彙的開發和生長。

演出的最後謝幕，由編舞家為表演者們逐一唱名與介紹，肯定了舞者當下付出的汗水與淚水，而作品設計細節則讓我不禁在閱讀節目單時，也在內心跟著搜索唱名所有設計卡司，並感謝他們讓我看到近似總體藝術實踐的奇幻夢境。回想起作品開場時的大氣篤定，讓你和他不是成為其他，而是化為共享的感官浸潤。《我・我們》無論是否開創了編舞家的未來發展樣貌，但它出其不意地刺激了觀眾對排灣文化發展的開闊想像，也輻射出感官地景上的奇異動力波；那些舞蹈光影動態如拋物線般投向未知的勇氣與意志，或許就是排灣族祖靈們守護的未來宇宙觀。閉上眼睛，在我的科幻奇想裡，《我・我們》也可能會成為未來虛擬世界裡，數位島民們同在/一起隨電音搖擺，讓人工智慧解碼當代原民文化質變轉譯的入神起點。